Tutti conosciamo il lavoro di Ableton nello sviluppo di strumenti per la produzione musicale, grazie a uno strumento come Live, ormai di uso così comune da essere diventato quasi uno standard: quello che non tutti sanno è che Ableton non è solo Live, ma anche una serie di altre iniziative volte a facilitare l’espressione dei musicisti. Tra queste, una delle più interessanti è senza dubbio Loop, una conferenza la cui seconda edizione si terrà in novembre alla Funkhaus di Berlino, e che nell’edizione precedente ha visto interventi di autentici luminari dell’innovazione musicale come Matthew Herbert, James Holden, Robert Henke (uno degli sviluppatori delle prime versioni di Live, oltre che uno dei componenti del progetto Monolake) e Henrik Schwarz discutere di argomenti come, ad esempio, “How Technology Empowers Collaboration And Improvisation”. Proprio in occasione dell’apertura delle registrazioni per la seconda edizione abbiamo avuto occasione di scambiare quattro chiacchiere con Dennis Desantis, che oltre a essere un eccellente produttore lavora come head of documentation proprio per Ableton, è parte attiva nell’organizzazione di Loop e l’anno scorso ha anche dato alle stampe un libro intitolato “Making Music: 74 Creative Strategies For Electronic Music Producers”.
Attualmente lavori come “Head Of Documentation” per Ableton: dover spiegare come si usano strumenti come quelli che produce Ableton ha avuto un impatto sulla tua musica? È cambiata in qualche modo da quando hai iniziato a lavorare in questa posizione?
È un’ottima domanda. In qualche modo, credo che lavorare intensamente per cercare di capire e spiegare un insieme specifico di strumenti possa in effetti rendere più difficile riuscire a usare gli stessi strumenti per un lavoro creativo. Ci riesco comunque, perché credo davvero che sia il workflow migliore e sono comunque più veloce e fondamentalmente molto più produttivo con questi strumenti che in altri ambienti per la produzione musicale. Però devo cercare consciamente di separare la mia mente musicale dalla mente responsabile della documentazione di Ableton. Se non lo faccio, finisco a fissare una rotella o un pulsante chiedendomi perché funzioni nel modo in cui funziona, e poi passo venti minuti mandando mail agli sviluppatori anziché scrivere musica. Non saprei dire se la mia musica sia cambiata da quando ho iniziato a lavorare per Ableton, oltre a quanto sarebbe comunque cambiata per via del mio diventare più vecchio, aver ascoltato più musica, reagito ai cambiamenti nel mondo eccetera.
L’anno scorso a Loop hai moderato diversi panel con molti artisti che discutevano di argomenti anche molto diversi tra loro: quanto credi sia importante per un produttore interagire e scambiarsi idee con altri musicisti? Alcuni musicisti preferiscono evitare di interagire troppo con altri per cercare di mantenere il proprio stile personale più intatto possibile, pensi sia una buona idea?
Penso sicuramente che sia indispensabile per i musicisti avere a che fare con altra musica. Non credo proprio che ci sia alcun altro modo per far sì che la propria musica abbia un senso in un mondo in cui c’è tantissimo da ascoltare. Ma sono d’accordo che la collaborazione e l’interazione con altri musicisti sia una scelta assolutamente personale. Alcune persone si trovano meglio in solitudine, e se hanno un fortissimo senso estetico personale o un metodo di lavoro particolare, potrebbe non esserci bisogno di creare assieme ad altri. Dato che i “bedroom studios” hanno reso il lavoro solitario la norma, quello che mi piace di eventi come Loop è che danno un impulso breve e concentrato di comunità e di interazione fisica, che penso possa essere un’esperienza davvero intensa soprattutto se si è tipicamente solitari.
Una delle tue aree principali di studio è l’aumento e il miglioramento delle capacità creative: i tuoi studi in questo campo ti hanno mai aiutato a superare dei blocchi creativi in attività diverse dalla musica? Ad esempio, quando ho letto il tuo libro sulle strategie creative per i musicisti ho notato che molte delle strategie che descrivi si applicano anche allo sviluppo software, che è una delle mie aree di esperienza.
Non ho in effetti fatto alcuno studio accademico legato alla creatività. La mia ricerca per il libro è stata fatta principalmente incontrando molti musicisti negli anni e scoprendo che c’era molto in comune nei blocchi creativi che hanno tutti, oltre a realizzare che io stesso avevo problemi simili. Non avevo intenzione di rendere il libro una risorsa “generica” sulle strategie creative; volevo scrivere qualcosa che fosse proprio per i musicisti elettronici. Ma credo che molto di quello che ho scritto – anche ciò che a prima vista sembrerebbe essere molto specifico – sia in effetti abbastanza universale. Se elimini i dettagli specifici, i concetti creativi sottostanti possono essere applicati a molte discipline diverse.
Pensi che la creatività nella musica elettronica sia guidata da una continua esplorazione di nuove possibilità o che sia più un processo sottrattivo, in cui si riducono progressivamente le possibilità a disposizione fino ad arrivare a un suono o a una traccia ben definiti?
Credo che dipenda molto dalla persona, e probabilmente ha molto a che fare con l’esperienza. Per un produttore giovane o poco esperto, ha senso esplorare continuamente. È tutto nuovo, e anche se ci sono già state diecimila linee di basso acid, non può fare male farne delle altre e aggiungere questa skill alla propria cassetta degli attrezzi. Ma una volta che si è raggiunto un certo livello di esperienza ed esposizione ad altra musica, qualche tipo di concentrazione diventa importante. La più grande fonte di sovraccarico di possibilità è sicuramente legata alle macchine; c’è così tanto là fuori, e può diventare una distrazione e una tentazione convincersi che la tua prossima traccia sarebbe incredibile se solo avessi proprio quel compressore in più.
E quanto importante credi che sia l’interfaccia dei device e degli strumenti per incoraggiare e dirigere la creatività del flusso produttivo? Pensi che giochi un ruolo attivo, oppure una volta che il flusso creativo è avviato lo strumento usato è indifferente?
Penso che l’interfaccia sia enormemente importante, ma anche estremamente personale. Alcune persone fanno musica solo con macchine analogiche, altre solo coi computer. Altri ancora si spostano senza soluzione di continuità tra diversi tipi di macchinari, usandone di specifici a seconda del punto in cui si trovano all’interno del loro processo di lavoro e poi si spostano su altro. Tutte queste persone potrebbero anche fare lo stesso genere di musica, ma i loro metodi sono profondamente diversi. Il grande discriminante ultimamente sembra essere il controllo tattile; se sia importante o meno per il processo interagire con oggetti fisici oltre a un mouse e una tastiera. Non conosco nessuno, però, per cui “qualunque” strumento sia ok. L’interfaccia è davvero importante, solo lo è in maniere diverse per ognuno.
Hai un background accademico, grazie ai tuoi studi in musica. Pensi che studiare la musica e la teoria acustica sia un elemento necessario per diventare un buon produttore di musica elettronica o credi si tratti più di una questione di talento e di incoraggiare la propria creatività? Coprite entrambi gli approcci a Loop?
Non penso affatto che gli studi accademici come quelli che ho fatto io siano necessari per diventare un buon produttore di musica elettronica. Personalmente, ho pochissimi rimpianti, ma ho incontrato musicisti molto più dotati di talento di me che in qualche modo sono riusciti ad arrangiarsi da soli. Ciò che credo sia necessario per quasi chiunque sono gli studi informali: l’ascolto serio, critico e attivo di molta musica, con un orecchio rivolto a capire cosa stia davvero succedendo in quello che si ascolta. Con poche, rarissime eccezioni, “avere talento” non è abbastanza. Produrre della musica finita e continuare a migliorarsi è qualcosa di direttamente collegato al fare del lavoro. A Loop, speriamo di riuscire a coprire questi problemi da quante più angolazioni possibile, comprese alcune a cui non avevamo pensato direttamente noi stessi. Questo è il motivo per cui lavoriamo così duro per ottenere presentazioni di speaker fantastici e per organizzare discussioni stimolanti. L’obiettivo è cercare di creare un terreno comune sia per i principianti che per gli esperti di fama mondiale, oltre che per tutti quelli in mezzo, nella speranza che ognuno impari qualcosa e insegni qualcosa a tutti gli altri.
Nel campo della tecnologia digitale e dell’innovazione, concetti come design thinking, user experience e co-creation sono ormai diventati parte integrante del processo di creazione di nuovi prodotti. Pensi ci sia dello spazio per applicarli con profitto anche nella produzione di musica elettronica? Quali sono le connessioni principali tra l’innovazione in ambito software e digital e la produzione musicale che vedi in questo momento?
Qualunque tipo di “x-thinking” è potenzialmente applicabile alle arti. Questo è uno degli aspetti meravigliosi di fare qualcosa per cui non esista uno standard assoluto e obiettivo di qualità; puoi giocare e iterare con i metodi, i materiali e le tecniche fino a quando non trovi qualcosa che funzioni (o almeno che funzioni per uno specifico progetto). Credo che il legame principale tra l’innovazione nella tecnologia e quella nell’arte sia che entrambe cercano di riempire un gap percepito: fai qualcosa perché pensi che ce ne sia un bisogno specifico. Ma forse quel bisogno è strettamente personale; fai dell’attività artistica per via del tuo bisogno intrinseco di creare, oppure costruisci degli strumenti perché c’è un problema particolare che hai bisogno di risolvere ma senza che ci sia effettivamente un’applicazione più ampia del tuo flusso di lavoro personale.
Sempre più musicisti ogni giorno, non solo tra gli speaker di Loop, lavorano con software companies non solo come Ableton, ma anche come Spotify o Soundcloud: pensi che in futuro skill come lo sviluppo software o l’analisi dei dati saranno sempre più importanti per la carriera di un produttore musicale?
Ci saranno sempre persone a cui piace creare strumenti per sé e per gli altri che si possano usare per creare dell’arte. Io sono una di queste. Ma non credo che queste skill o questi interessi saranno necessariamente importanti per i musicisti in generale. Infatti, credo che il mondo sarebbe migliore se non lo fossero e i musicisti potessero semplicemente concentrarsi sul produrre musica.
Nella tua esperienza, qual è l’insegnamento più importante che i partecipanti a Loop portano a casa per migliorare le proprie abilità nella produzione musicale?
A giudicare dalla mia osservazione assolutamente non-scientifica dei partecipanti dell’anno scorso (cioè: avendo preso una birra con loro dopo l’evento), ho avuto la sensazione che l’insegnamento più importante sia stato “non sono da solo”. Per quanto solitario possa essere fare musica, c’è una community di persone con una mentalità comune, là fuori. Si può avere una vaga sensazione che esistano leggendo ciò che scrivono online, ma mettere un buon numero di loro nella stessa stanza per qualche giorno sembra avere un effetto psicologico molto profondo. Non saprei dire se questo abbia influenzato direttamente le skill produttive di qualcuno, ma spero che sia comunque stato importante.
Puoi anticiparci qualcosa di Loop 2016? Quale pensi sarà l’argomento principale di quest’anno?
Penso sia troppo presto per dirlo. Alcuni degli eventi più interessanti di Loop 2015 erano piccole riunioni, incastrate in uno studio in un angolino, che nessuno avrebbe pensato potessero avere tanta risonanza. Speriamo che ogni argomento che trattiamo sia importante per chi ha deciso di partecipare a quella particolare sessione.[/tab]
[tab title=”English”]We all know the work Ableton has been doing in producing tools for music production, thanks to a product like Live which is now so widely used that it has become a de facto standard: what is not so well-known is that Ableton is not just Live, but a wide range of other initiatives aimed at facilitating musicians in their creative process. Among these, one of the most interesting is definitely Loop, a conference which will see its second edition be held in November at Funkhaus in Berlin, and which in its previous instalment has seen contributes by widely respected musicians like Matthew Herbert, James Holden, Robert Henke (one of the founders of Ableton and a developer of the very first versions of Live, besides being a part of the Monolake project) and Henrik Schwarz, discussing topics like, for instance, “How Technology Empowers Collaboration And Improvisation”. Right after the opening of the registrations for the second edition of Loop, we took the chance for a quick chat with Dennis Desantis who, besides being an excellent techno producer, is also working as Head Of Documentation for Ableton, and is also taking active part in organizing Loop and has also authored a book last year, titled “Making Music: 74 Creative Strategies For Electronic Music Producers”.
ENGLISH VERSION
You are currently working as Head of Documentation for Ableton: has having to explain how to use tools like the ones Ableton makes had an impact your own music? Did the music you make change since you took over this role at Ableton?
That’s a really great question. In some ways, I think working intensively to try to understand and explain a particular set of tools in great detail can actually make it difficult to then use those tools for creative work. I still do it, because I really believe in the workflow, and I’m faster and fundamentally more productive here than in other music-making environments. But I do have to consciously try to separate my music-making brain from my Ableton-documenting brain. If I don’t, I end up staring at a knob and wondering why it really works the way it does, and then I spend 20 minutes writing emails to developers instead of writing music. I don’t really know if my music has changed since starting at Ableton, beyond how it might have anyway simply by getting older, hearing more and different music, responding to changes in the world, etc.
Last year at Loop you moderated several panels with many artists discussing very different topics: how important do you think it is for a music producer to interact and exchange ideas with fellow musicians? Some musicians prefer not to interact too much with others to keep their personal style as intact as they can, do you think this is a good idea?
I definitely think it’s critical for musicians to interact with other music. I don’t really think there’s any way around this if you want your music to make sense in a world where there’s a lot to listen to. But I agree that collaboration and interaction with other musicians is largely a personal choice. Some people thrive in solitude, and if they have a strong sense of personal aesthetic or working method, there might not be any need to create with others. Bedroom studios make solo work the norm. So what I like about events like Loop is that they provide a short, concentrated burst of physical interaction and community, which I think can be a really powerful experience even if you’re typically solitary.
One of your main fields of expertise is how to enhance and foster creativity: did the studies you made in this field ever help you overcome creative blocks in activities other than music? For instance, when I read your book about about creative strategies for electronic music producers I noticed that many strategies also applied to software development, which is one of my fields of expertise.
I didn’t really do any sort of academic study of creativity. My research for this book was mostly done by meeting lots of musicians over the years and learning that there was a lot of consistency in the kinds of creative blocks that they have, and then realizing that I also had these same issues. I had no direct intention of making this book a “generic” resource for creative strategies; I really wanted to write something for electronic musicians. But I think a lot of this stuff – even the stuff that appears at first glance to be extremely focused – is actually pretty universal. If you take out the specific details, the underlying creative concepts can be applied to lots of different disciplines.
Do you think creativity in electronic music is driven by a continuous exploration of new opportunities or instead it’s more a kind of subtractive process, progressively reducing the endless possibilities available to get finally to a defined sound or track?
I guess this is highly dependent on the person, and probably has a lot to do with experience. For a new producer, it makes sense to continuously explore. Everything is new, and even if there have been ten thousand acid basslines already, it can’t hurt to make some more and get those skills into your toolkit. But once you reach a certain level of experience and exposure to other music, some kind of focus really makes sense. The biggest source of possibility overload is probably gear; there’s just so much out there, and it can be really distracting/tempting to convince yourself that your next track will be incredible if you just have that one more compressor.
And how important is the “interface” of the device/controller to foster and direct the creativity of the productive flow? Does it play an active part, or once the creative flow has started any tool is ok?
I think interface is enormously important, but also enormously personal. Some people only make music with analog hardware. Some people only make music with computers. Some people drift seamlessly between different types of equipment, using specific things for specific stages of the working process and then moving to something else. These people might all be making the same kind of music, but their methods are incredibly different. The big differentiator these days seems to be about tactile control; whether or not it’s an important part of your process to be able to interact with physical devices beyond a mouse and computer keyboard. I don’t know anyone for whom just “any” tool is ok. Interface really matters. It just matters in different ways for different people.
You have an academic background, thanks to your studies in musical arts. Do you think studying music and acoustics theory is a necessary element to become a good electronic music producer or do you think it is more about feeding the creativity and being talented? Do you cover and promote them both at Loop?
I definitely don’t think academic study like the kind I did is necessary for becoming a good electronic music producer. Personally, I have very few regrets, but I’ve met far more talented producers than me who just kind of figured it out on their own. What I do think is necessary for almost everyone is informal study: serious, critical, active listening to lots of music, with an ear towards trying to figure out what’s really going on in that music. With very few exceptions, “being talented” isn’t going to be enough. Getting music done and improving is directly related to doing work. At Loop, we hope to cover these problems from as many angles as possible, including ones we haven’t thought of ourselves. This is why we work so hard on getting amazing presenters and planning compelling discussions. The goal is to create a common ground for both absolute beginners and world-renowned experts, as well as everyone in between, with the hope that everyone learns from and teaches everyone else.
In the digital and innovation fields, ideas such as design thinking, user-experience and co-creation have become integral part of the creation of new products. Is there any room to profitably apply them also in while producing electronic music? What are the main connections between digital and software innovation and music production you see now?
Every kind of “x-thinking” is potentially applicable to the arts. This is one of the amazing things about making things that can’t be held to an absolute standard of objective quality; you can play with and iterate on methods, materials, and techniques until you figure out what works (or at least what works for a given project.) I guess the main connection between innovation in technology and innovation in the arts is that both are about trying to fill a perceived gap. You make something because you think there’s a need for it. But maybe that need is strictly personal; you make art because of your intrinsic need to create or you make tools because there’s a particular problem that you want solved but that has no wider application beyond your own workflow.
More and more musicians every day, not only among the speakers at Loop, are working with software companies not only like Ableton, but also like Spotify or Soundcloud: do you think in the future skills as software development or data analysis will be important for a music producer’s career?
There will always be people who like to make tools for themselves and others to use to create art. I’m one of them. But I don’t think those skills or interests will necessarily be important for musicians in general. In fact, I think it would be a better world if they weren’t important, and most musicians could just focus on making music.
In your experience, what is the most important learning that attendants at LOOP bring home to improve their production skills?
Judging by my very non-scientific study of last year’s attendees (meaning: having a beer with them after the event), I got the sense that the most important learning was “I’m not alone in this.” As solitary as music making can be, there is a community of like-minded people out there. You might have had the vague sense that they existed from reading words online, but getting a sizable contingent of them together in a room for a few days seems to have a profound psychological effect. I don’t know if this directly improved anyone’s production skills, but I’d hope that it made the process feel somehow more relevant.
Can you anticipate something about Loop 2016? What do you think will be the biggest topic of 2016?
I think it’s too early to say. Some of the most amazing events at Loop 2015 were small things, tucked away in a corner studio, that no one might have anticipated would have so much resonance. We hope that every topic feels big to the people who’ve chosen to attend that particular session.[/tab]
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